Rock and Roll Circus (1968), The Rolling Stones

En 1968 los Stones estaban en un momento álgido. Tras un periodo de dificultades, tanto personales como con la justicia, y de fracasar con fracaso anterior con “Their Satanic Majesties Request” acababan de publicar “Beggars Banquet”, disco con el que volvían al estilo “stones” abandonando la psicodelia de su trabajo anterior. Con este “banquete de mendigos” se les abría por delante su mejor periodo creativo que les llevó a publicar “Let it Bleed” (1969), “Sticky Fingers” en 1971 y “Exile On Main Street” en 1972.

Fue entonces cuando a Mick Jagger y a Keith Richards se les ocurrió realizar una actuación un tanto especial como parte de promoción de su último disco y, aprovechando que ya habían trabajado con Michael Lindsay-Hogg (realizador en la BBC) plantearon a la cadena de televisión hacer un espectáculo de aspecto circense junto a otros importantes músicos del momento. El programa se grabó los días 11 y 12 de diciembre de 1968 pero, al parecer por desaveniencias entre The Who y los Stones, nunca vio la luz. En 1996, después de encontrar la grabación original en un trastero, aquel trabajo vio la luz y fue publicado en formato CD y posteriormente en video.

En cuanto a las relaciones internas, los Rolling pasaban por un mal momento. Brian Jones estaba cada vez mas distanciado de la banda (de hecho apenas si participó en las sesiones de grabación de “Beggars Banquet”) y mas sumido en depresiones y en consumo de drogas. Las razones podrían ser el hecho de cosiderarse el centro de la banda y verse desplazado por la popularidad del tandem Jagger/Richards. El momento es tan crítico que en el plazo de solo seis meses sería despedido de la banda y encontrado muerto en su casa.

En lo musical, la grabación es impresionante, ya que no solo actuaron los Rolling, sino que se juntaron parte de los mayores genios musicales de la época en la cúspide creativa de sus carreras.

Tras breves una breve introducción circense, el disco arranca con “Song For Jeffrey” de Jethro Tull donde junto al espectacular flautista escoces Ian Anderson, podemos ver una de las pocas apariciones públicas de Tommy Iommi durante el breve periodo que perteneció a esta banda, tras abandobar Earth y justo antes de formar Black Sabbath

Después llega uno de los momentos, para mi especiales, que no es otro que la salvaje interpretación de “A Quick One While He’s Away “ por parte de The Who. Aquí hago una mención especial al brutal estilo de Keith Moon en la batería y a los espectaculares “acordes de potencia” de Pete Townshend.

Y otro de los momentos cumbre. El denominado para la ocasión The Dirty Mac, que no fue sino un supergrupo formado por John Lennon, Eric Clapton, Keith Richards (al bajo) y Mitch Mitchell (baterista de The Jimmy Hendrix Experience). Hacen una interpretación de “Yer Blues” para la historia.

Yoko Ono y The Dirty Mac. Juzgar vosotros mismos

Y a continuación, The Rolling Stones. Destaco este You Can’t Always Get What You Want

Y termino con Sympathy for the Devil.

Decir, para los fans de este tema, os recomiendo la película documental de Jean-Luc Godard sobre la grabación de este tema. Una “performance” muy alegórica.

“Live at Sugar Bowl. 22 sep 1972” (1972), Freddie King

“De todas las personas con las que he tocado, la más estimulante en un escenario fue Freddie King…. Él me enseñó casi todo lo que se necesita saber … y lo más importante de todo … cómo hacer el amor a una guitarra” Eric Clapton

Esta frase, que figura en la cubierta de este directo que os traigo hoy nos da una idea de a quien nos enfrentamos.

De los muchos discos grabados por este maestro de la guitarra no he dudado a la hora de poneros este. Se trata de un directo grabado en 1972 y que nos muestras el lado mas salvaje de este bluesman tejano en su plato mas fuerte: los conciertos.

Su tío y su madrastras se introdujeron en el blues en los campos de algodón tejanos cuando aún era un niño, sobre todo en el estilo rural refinado de T. Bone Walker y el gran Lightnin’ Hopkins. Con 16 años se instaló con su familia en el South Side de Chicago donde tocó para los grandes bluesman de los ’50.

En esta época, el blues estaba pasándose de moda entre los negros americanos que preferían el estilo mas refinado del soul y Freddie bebió también de estas fuentes al trabar amistad con los jóvenes (como Otis Rush o Luther Allison) que mezclaban estilos en el nuevo gueto negro de Chicago del West Side.

El torrente de notas tejano, la rudeza del blues de Chicago y el contacto con el blues del West Side formaron el estilo de King.

Fue a finales de los 50 cuando King grabó su archiconocido “Hideaway” que se convertiría en un icono para los jóvenes músicos ingleses de la década siguiente que le reclamarían como uno de los gurús del nuevo blues-rock británico, sobre todo el citado Eric Clapton o Peter Green, alma mater de los Fleetwood Mac en los “años de blues” (ya os hablaré de este disco en alguna ocasión).

Repescado de un semi-olvido en los sesenta, un Freddie muy influenciado por la nueva corriente de blues rock de sus “alumnos” grabo una serie de buenos discos. Pero sobre todo destacó en vivo donde daba todo, tanto, que el día de navidad de 1976 en un concierto en Dallas se desplomó en directo.

Ahí van unos vídeos del concierto. Unos son del recomendado, y otros de otros recitales.

Empezamos por este “Have You Ever Loved A Woman?”

Seguimos con “Ain’t Nobody’s Business”, del mismo concierto

Ya en otro concierto, el impresionante  “Boogie Funk”

Y de la misma gira

“Ain’t Got No – I Got Life” (1968), Nina Simone

Hola:

Sexta entrega de el disco de la semana, muy cercana a la anterior. Esta vez seré breve y en vez de un disco os hablaré de un solo tema: “Ain’t Got No…I’ve Got Life”, de la cantante afroamericana Nina Simone.
Reconozco que siempre he tenido prejuicios a la música de esta mujer. Pero ha sido escuchar este tema y esta versión, al que he llegado desde un anuncio de TV, y he cambiado de opinión. La canción hay que encuadrarla en su momento histórico: la lucha por los derechos civiles de los negros americanos a finales de los ’60. En su activismo, Nina Simone, adaptó un tema del musical “Hair” y lo convirtió en un icono de la lucha por la igualdad, sobre todo tras interpretarlo en el Central Park Harlem Festival de 1969, el mismo año en que dejó de vivir en USA debido al racismo imperante.
Nina publicó este tema originalmente en un sencillo para RCA Victor, con “Do What You Gotta Do” en la cara B, aunque también se incluyó en el LP “Nuff Said!” de la misma compañía y el mismo año. La canción, y todas las que formaron el LP, se grabó en directo en Westbury Music Fair, Long Island, el 5 de abril de 1968. La letra es sencilla, pero profundamente emotiva. Suena así:

Os pongo la letra de la primera versión que grabó y su traducción:

Ain’t got no home, ain’t got no shoes
Ain’t got no money, ain’t got no class
Ain’t got no friends, ain’t got no schoolin’
Ain’t got no wear, ain’t got no job
Ain’t got no man

Ain’t got no father, ain’t got no mother
Ain’t got no children, ain’t got no
Ain’t got no earth, ain’t got no water
Ain’t got no ticket, ain’t got no token
Ain’t got no love

I got my hair, I got my head
I got my brains, I got my ears
I got my eyes, I got my nose
I got my mouth, I got my smile

I got my tongue, I got my chin
I got my neck, I got my tits
I got my heart, I got my soul
I got my back, I got my sex

I got my arms, I got my hands
I got my fingers, Got my legs
I got my feet, I got my toes
I got my liver, Got my blood

Got life , I got my life

Ahora en español

No tengo hogar, no tengo zapatos
No tengo dinero, no tengo posición
No tengo amigos, no tengo educación
No tengo ropa, no tengo trabajo
No tengo pareja

No tengo padre, no tengo madre
No tengo hijos, no tengo
No tengo tierra, no tengo agua
No tengo billete, no tengo vale
No tengo amor

Tengo pelo, tengo cabeza
Tengo sesos, tengo orejas
Tengo ojos, tengo nariz
Tengo boca, tengo sonrisa

Tengo lengua, tengo barbilla
Tengo cuello, tengo pecho
Tengo corazón, tengo ánima
Tengo espalda, tengo sexo

Tengo brazos, tengo manos
Tengo dedos, tengo piernas
Tengo pies, tengo uñas
Tengo hígado, tengo sangre

Tengo vida, tengo mi vida

Por supuesto, no dejéis de ver el vídeo del concierto:

y el vídeo del tema de “Hair” que adaptó Nina Simone

“Dixie Chicken” (1973), Little Feat

Hola por quinta vez.

Con un poco de retraso afronto el quinto disco de la semana. Esta vez voy a relajas los oídos de quienes se atrevieran a escuchar a mi adorado John Coltrane, sobre todo si oísteis entero el concierto en París. Damos un salto cualitativo y nos vamos unos años hacia delante y cambiamos de costa. Nos encontramos en Los Angeles en 1969 año en el que Lowell George, ex-componente del grupo del ecléctico Frank Zappa, y Bill Payne forman un grupo, que si bien en España ha sido poco conocido, es una de las grandes formaciones americanas de la década de los 70. Me refiero a Little Feat. Impresionante banda con sonidos mas cercanos al rock sureño que arreciaba en los primeros 70, (Lynryd Skynryd o la banda de Gregg y Duane Allman) que al sonido setentero de California. EL grupo tuvo buenas críticas en su debut pero poco éxito comercial. A punto de deshacerse se remodeló en el 72 justo para sacar a la luz el álbum elegido para este mail. “Dixie Chicken”, publicado en 1973 es un álbum con un sonido íntegramente sureño, con muchas influencias del blues y el funk de New Orleans que fomentara magistralmente el gran Dr. John. EL disco, cargado de buenas melodías, magistrales riffs de guitarra y fantásticos coros (especialmente en el octavo corte, “Fat Man In The Bathtub”) te traslada a los pantanos del Mississippi.

El tema que da nombre al LP y que abre el disco es toda una declaración de principios. Una canto a las costumbre sureñas (Dixieland): el pollo, wisky, las casas con cerca blanca… con una melodía pegadiza y resultona.

El segundo corte hace, o asi lo veo yo, dos guiños: uno a los trenes (un clásico en el blues) y otro al imprescindible “Love in Vain” de Robert Johnson.

Hablo del tercer tema,  “Roll Um Easy” y dejo de ir canción por canción porque no tengo mas tiempo. Una evocación a la mujer del sur, esa Escarlata O’Hara de “Lo que el viento se llevó” tan bien retratada en la música de los grupos sureños.

“And I have dined in palaces, drunk wine with kings and queens

But darlin’, oh darlin’, you’re the best thing I ever seen”

“I’ve been across this country, from Denver to the ocean

And I never met girls that could sing so sweet like the angels that live in Houston”

En español…

“Y he cenado en palacios, bebido vino con reyes y reinas

Pero querida, oh querida, eres el mejor que he visto nunca

“He estado en todo el país, desde Denver al océano

Y nunca encontré chicas que cantaran tan dulcemente como los ángeles que viven en Houston”

Lo dicho, no tiene desperdicio.

En Youtube hay multitud de vídeos de Little Feat, entre ellos este directo de “Dixie Chicken” con Emilou Harris y Bonnie Raitt

Otro directo, esta vez de “Fat Man in the Bathtub” en 1975

Aunque ya de otro disco, este vídeo de los Feat con el ex-Rolling Mick Taylor es impagable. Solo el título apetece: “Apolitical Blues”

“A Love Supreme” (1964), John Coltrane

Hola de nuevo:

Con un poco de retraso, ya os dije que la regularidad no iba a ser posible os envío la cuarta entrega del disco de la semana. Esta vez os voy a complicar vuestra vida melómana y os quiero introducir, a quien no lo esté ya evidentemente, en el mundo del jazz. Y lo hago con el mismo disco que me abrió a mi las puertas de la un estilo de música que desde entonces forma parte prioritaria en mi colección.

El disco en cuestión se titula “A Love Supreme” y es la obra cumbre en la amplísima discografía de, para mi, el mayor genio de la música del siglo XX, John Coltrane. Deciros que para todos los críticos y expertos, este disco supuso un antes y un después en la historia de la música, y que junto a “Kind of Blue” de Miles Davis (con John Coltrane al saxo) es el mejor disco de jazz de todos los tiempos.

No se porque siento una conexión con este disco, y por extensión con su autor. Coltrane tuvo muchísimos problemas de adicción a las drogas, al igual que su antecesor, y creador del BeBop (estilo de jazz de los años 40 que revolucionó la música de la época sacando a los grandes músicos del encorsetamiento que supuso el aburguesamiento del Swing de los 30), Charlie Parker. Trane, fue expulsado de los grupos de los dos trompetistas mas influyentes de la época, Gillezpie y Davis, siempre por problemas con la heroína y estuvo a punto de sucumbir. Tras una gran depresión ayudado por su mujer y a su prima Mary (quien le crió de pequeño) dejó las drogas haciéndose profundamente religioso.

Poco después formó el John Coltrane Quartet junto al pianista McCoy Tyner, al bajista John Garrison y al baterista Elvin Jones. Con el cuarteto grabó maravillosos discos en los primeros 60. No obstante aunque esta era la formación clásica a Trane le gustaba experimentar con diferentes músicos, entre los que destacan los genios del free-jazz, el flautista Eric Dolphy y el excéntrico saxofonista Ornette Coleman.

Pero la obra cumbre de Coltrane se grabaría el 9 de diciembre de 1964 (aunque hubo una sesión de grabación el día 10 que no repercutió en la edición original del sello Impulse 1964, pero que salió a la luz en una reciente versión “de luxe”). Trane, Tyner, Jones y Garrison grabaron en un solo día una suite en cuatro partes dedicada a Dios como agradecimiento, en parte, al hecho de poder abandonar las drogas y volver a ser una persona.

El disco es impactante, pero eso os dejo que lo juzguéis vosotros. A mi, que nunca había conseguido escuchar jazz, me introdujo en él traumáticamente. Si os pasara lo mismo, pedidme un libro sobre la grabación del disco.

Finalizo con el mismo disco, “A Love Supreme” , pero la versión en directo de 1965 que desquició a los franceses que fueron a escucharlo (un Coltrane muy metido en el free)

Antes de morir en 1967, dejó otro puñado de grandes discos, entre los que destaca “Ascension” por significar una incursión importante en el free-jazz.

Murió una 10 días antes de nacer yo.